Analisis de “Le fils” (El hijo)

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Los hermanos Dardenne o “filmadores de nuca” como los escuché ser llamados antes de ver el “por qué”, tras visionar una de sus películas. En este caso vamos a concentrarnos en “El hijo” y vamos a dividir el análisis en dos partes, la primera viendo cómo se articulan los elementos de la trama, y la segunda analizando las técnicas cinematográficas empleadas y la forma de la película en sí.

Qué vemos

“Le fils” (traducida como “El hijo”) esta presentada en un tono dramático con toques de costumbrismo, empecemos recalcando los momentos importantes de la historia, ya que son los que hacen al guion y al total de la película, tanto en forma como en estructura y para luego poder asociarlos con la narración paramétrica*. La cinta comienza con los títulos pasando en total silencio, ni siquiera hay sonido ambiente, esto de primer momento refleja la tranquilidad y el tratamiento general que acompañan toda la película, el cual se mantiene parejo de principio a fin ya que no presenta grandes variaciones ni diversidad en sus recursos. La película arranca con una secuencia centrada totalmente en el personaje principal, Olivier, a quien establece desde los primeros momentos del film como jefe carpintero dentro de un taller y un hombre muy ocupado mostrándolo rechazar un trabajo.

Más tarde presenciamos una secuencia en al que su ex esposa le anuncia que se va a casar y está embarazada, esto nos da un aspecto más amplio de la vida de Olivier, menos referido a lo profesional y más a lo personal, lo que hace que el espectador empatize y se involucre mas con el personaje. De vuelta en su taller Olivier llama a un chico para que trabaje con él y le enseña sobre el oficio, más tarde vemos que Olivier sigue al chico, como si desconfiara de él, esto es un elemento de intriga para quienes desconocen la identidad de Francis al ver la película, hasta que unos momentos después, el personaje principal charla con su esposa, y le revela que Francis (el chico a quien tomo de aprendiz en su taller) es el asesino de su hijo.

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Más adelante se cruza con Francis al comprar comida, ya incluso empezamos a suponer que puede ser que no sea una casualidad y el chico sea quien este siguiendo a Olivier ahora con el fin de acercarse. En este encuentro se empieza a armar un poco más la relación personal entre ambos y a denotar la admiración de Francis por Olivier, cuando el primero le hace al segundo unas pruebas para ver su capacidad de medición y su percepción de las distancias. Esta relación entre ambos se sigue ahondando posteriormente durante un ejercicio en el que Olivier hace subir una tabla de madera por una escalera a sus alumnos y un incidente (que en algún punto también podría sospecharse que fue otro intento de acercamiento por parte del chico) lleva a un trato un poco más personal entre Olivier y Francis. Luego vemos en una escena al Olivier más agresivo de toda la película, donde va a la casa de otro de sus aprendices a reclamar la presencia del mismo, con una violencia injustificada, la cual contrasta totalmente con el trato que tiene hacia Francis, casi como si estuviera todo exactamente al revés de como la lógica indicaría que debería ser. En otra secuencia tenemos a Olivier armando una caja de madera junto a Francis, quien luego le comenta que tiene una familia disfuncional, Olivier lo lleva en auto y se encuentra en el estacionamiento con Magali, esta se pone fuera de sí, Olivier la tranquiliza, ella le pregunta por qué lo hace y él le confiesa que no sabe, denotando lo confundido que está.

Sin embargo esto no es impedimento para que la relación siga avanzando, mas adelante Olivier lleva a Francis a cortar madera, hablan sobre cuando el chico estuvo en la cárcel “por un robo y algo más”. Un punto definitivo en la relación de ambos es cuando en el camino paran a comer y Francis le propone a Olivier que éste sea su tutor, pero este, aun atónito por toda la situación y emociones vividas con respecto a Francis en los últimos días evita la respuesta por el momento. Luego de esto juegan al metegol, y Francis va incluso un paso más allá en un intento de ganarse su confianza cuando le confiesa que mató a una persona.

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Luego de esto, ambos personajes continúan su camino en el auto y Olivier empieza a tratar de preguntarle a Francis sobre la vez que estuvo en la cárcel, para así llegar en la conversación hasta el robo que cometió y consecuentemente al asesinato de su hijo, pero obviamente esto solo fue posible debido a la relación generada los días pasados, de hecho para poder sacarle parte de la información, Olivier tuvo que meterle presión desde el subtexto de su frase “Quieres que sea tu custodio, tengo el derecho a saber”. No sabemos si Olivier hizo todo el viaje y cultivo el vinculo que vimos hasta ese momento con intención de llegar a un nivel de confianza con el chico en el que pudiera preguntarle sobre el asesinato o si verdaderamente se dio así, pero era claro que difícilmente podría resistirse a preguntarle si se le daba la oportunidad, de hecho una de las pocas veces que lo vemos violentarse es cuando le saca a Francis a la fuerza la confesión de que estranguló a su hijo.

Sobre el final de la película Olivier le confiesa a Francis que fue su hijo a quien mato, esto no es a causa de un exabrupto del momento, sino que lo dice sin ningún tipo de anticipación, lo que nos hace pensar que al menos desde hace un rato, venia pensando y juntando valor para decírselo, no solo por la dificultad misma de decir algo así sino porque sabía que al decir eso iba a arruinar la relación que estuvieron construyendo hasta ese momento y a pesar de todo, el mismo no está seguro de querer perder eso, por esto es que después lo persigue con tanto esmero, no puede dejar escapar su momento de darle un cierre a esta etapa de su vida que todavía le produce dolor y enojo, es por esto que cuando atrapa a Francis en el bosque lo estrangula (durante unos pocos segundos) hasta que vuelve en sí y lo deja.

Luego de esto, Olivier vuelve al depósito a seguir cargando las maderas y al poco tiempo Francis se acerca y le da una mano, ambos terminan de cargar las maderas al auto y las envuelven en total silencio, casi como un simbolismo del luto que hacen y del cierre que le están dando juntos a esta situación del pasado que es un pesar para ambos. Así como los dos hablaron y juntaron las tablas de madera, de igual manera lograron armar y conciliar la historia del pasado. La película termina con un final abrupto a negro, ni siquiera deja terminar la acción ni nos da una leve idea de lo que será de los personajes de ahí en más, esto es porque no importa el futuro, la película trata del viaje interno y personal que se fue desarrollando, lo que sucede después no tiene importancia ni para la trama ni para el tema que trata la película.

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Cómo lo vemos

La cinta fue escrita y dirigida por los hermanos Jean-Pierre y Luc Dardenne, podemos notar esto en la impronta que tienen muchas de sus películas desde la forma y su optación por la narración paramétrica*, en la cual los recursos cinematográficos o criterios utilizados al filmar no surgen como una necesidad desprendida del argumento, sino que estos son elegidos para hacer a la estética de la película y sin condicionarse por lo que esté sucediendo en la historia, por tanto a estos atributos de la película no se los puede medir como si de narrativa audiovisual clásica se tratase. Algunos de los criterios que se pueden observar en “Le Fils” son la constante utilización de una cámara en mano notoria, con bastante movimiento y que sigue a los personajes desde atrás, sumado a sus momentos dramáticos creados más con los silencios que con los diálogos.

En cuanto a las actuaciones, se pone en práctica la escuela del minimalismo expresivo, con el personaje del padre que reprime sus sentimientos, a la vez se nota que los actores tuvieron una libertad con bastante margen para la improvisación (siempre desde lo sutil), ya que por lo extenso de las tomas y la escasez de acciones trascendentes para el avance de la trama en sí, podemos denotar que no todo estaba demasiado pautado así como también sucedió con los encuadres y las tomas que por momentos parecen resultar un tanto erráticas.

El titulo de la película (“El hijo”) juega con un doble sentido, ya que si bien en primera instancia se interpreta que refiere al hijo difunto de Olivier, con el correr de la cinta podemos ver que esto puede referirse en cambio (o al menos también) a Francis, quien va camino a volverse una suerte de hijo postizo para Olivier, por tanto, el titulo de la película se ve resignificado una vez que esta avanza y vemos hacia dónde apunta. La película trata temas como el del oficio (o las actividades en común en general) como un punto de encuentro o reconciliación hasta en los casos más extremos, hasta qué punto puede llegar la necesidad de una persona por llenar un vacío y lo incontrolables e irracionales que pueden ser las emociones humanas, sin embargo ninguno de estos temas tratados en la película busca reflejarse fuertemente en el estilo visual de la misma.

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Exceptuando algunos momentos donde elipsa al encontrarse con acciones demasiado largas o sin importancia dramática ni narrativa, tiene un montaje rítmico que se genera desde la puesta en cuadro, guiado por los movimientos internos, utilizando en su mayoría pequeños planos secuencia y uniéndolos todos mediante corte directo. Esto se ve evidenciado al notar que la atención del personaje principal (Olivier) es la que guía la cámara, se sigue su punto de vista, lo que crea una relación entre la puesta en escena y al puesta en cuadro dependiente de los contenidos de la imagen. Esto a la vez genera inevitablemente variaciones dentro del mismo parámetro que es el encuadre (y lógicamente la forma total de la película) ya que si bien siempre se rige por estas mismas reglas es casi imposible que se consigan dos planos realmente iguales, sino mas bien similares con algunas diferencias o variaciones.

La cinta utiliza cámara en mano en absolutamente todas las tomas, se mueve y busca el encuadre de acuerdo a las acciones que suceden alrededor de ella, con mucho movimiento tanto interno como externo, siguiendo las acciones de una manera que hasta pareciera improvisada, además de ser notorio que la película fue filmada a una sola cámara , lo cual se refleja en los juegos momentáneos que hace con los espacios imaginables fuera de campo, donde la cámara se queda con un solo personaje sin mostrar lo que éste está mirando o con quién está hablando. Todo esto da una cierta similitud estética con los documentales, que tal vez podríamos considerar como un pequeño elemento para dar más realismo o que espectador se sienta como un observador en primera persona de la situación. La cámara también mantiene muchas veces planos cortos con lente normal y una profundidad de campo media y sigue mucho al personaje desde atrás, esto último, más que darle importancia a la expresión o sentimientos del personaje, le permite concentrarse en lo que este observa y lo que tiene su atención, sin embargo, sí nos muestran la expresión del personaje más claramente en las situaciones donde le sucede algo que lo afecta emocionalmente. Esto se complementa con el punto de vista único que lleva la película, y por lo tanto la información se reparte acorde a ello, como espectadores sabemos menos que el protagonista, no sabemos lo que piensa ni las cosas que suceden por fuera de su percepción, solo vemos lo que él ve.

La película mantiene una paleta de colores apagados, donde predominan los tonos marrones y crema. Varias veces los personajes hablan desde el fuera de cuadro cuando en una conversación la cámara deja de tomar a uno de los personajes y se queda con otro, sin embargo el caso más notorio del uso del fuera de cuadro probablemente sea en la secuencia en la que Olivier va a comer a la cocina de su lugar de trabajo y charla lo justo y necesario con la cocinera mientras esta es mantenida fuera de cuadro casi todo el tiempo, podríamos conjeturar que esto es así porque al personaje no le importa en lo más mínimo esta mujer, su atención realmente no está en ella y por eso la de la cámara tampoco, hasta incluso parece evitarla, apenas se la ve muy brevemente al pasar.

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Cuando hay más de un personaje en cuadro, rara vez estos tienen igual peso o importancia en el mismo, la mayoría de las veces que esto se da es cuando Olivier y Francis profundizan su relación y en situaciones donde se ponen o sienten más a la par, el encuadre los empatiza para mostrarlos más cerca, mas a la par el uno del otro. La película también juega mucho con los silencios, dejando de lado por completo la música y usando mucho sonido ambiente, esto lo hace para generar una sensación de vacío, un vacio que crea tensión entre los personajes, que los incomoda y que incomoda también al espectador, haciéndolo recordar silencios similares que alguna vez nos ha tocado vivir.

El conflicto de la película no está explicitado, sino que se deduce por los pequeños gestos de los actores y el clima creado. En este conflicto resulta que Francis ve una figura paterna en Olivier, mientras que éste último entra en un conflicto interno al tener emociones encontradas entre lo que cree que debe sentir (ya que es el asesino de su hijo) y lo que realmente siente por él en el presente (alguien que, irónicamente, llena el vacío que su hijo dejó), también está presente el conflicto de Francis, quien busca un hogar y una familia que cree encontrar en Olivier, sin embargo, como éste último es el verdadero protagonista de la película y su punto de vista es el único que tenemos, este conflicto pasa a ocupar un lugar secundario o complementario dentro de la película.

Utilizando todos los criterios mencionados anteriormente es como la película crea una redundancia suficiente como para formar un esquema estilístico sin saturar al espectador y se evidencia la narración paramétrica* que lleva adelante la cinta, ya que nada de esto tiene relación directa ni surge como necesidad del argumento. Los criterios del film si bien son constantes, no llevan adelante un orden definido de forma que pueda notarse una serialización o pauta clara tras su utilización, por lo que se vuelve difícil encontrarles un significado concreto o seguro a los recursos utilizados y así es como el espectador es quien se vuelve el encargado de asignarle un significado especifico a los criterios estilísticos.

 

*Narración paramétrica: Es un concepto establecido por Noël Burch en su libro Praxis del cine (1969) y desarrollado por David Bordwell, utilizado para denominar a un estilo narrativo que se centra en el estilo mismo y no en los acontecimientos vinculados con la historia, sino que en este tipo de narración los elementos técnicos y estéticos cobran un valor por si mismos y no están al servicio del argumento, algunos directores que utilizaron mucho la narración paramétrica fueron Dreyer, Bresson, Ozu, Tati, Fassbinder y Godard.

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