RESEÑAS BAFICI: PARTE II

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  • RESEÑAS POR FABIO VALLARELLI

Óperas Primas

“Tomasa” Dir. Juana Hodari

En la sección “Óperas Primas” el festival le da la posibilidad a directores nóveles que presenten sus primeras películas. Esto siempre es complejo, una primera película salvo excepciones y a diferencia de lo que suele decirse habitualmente, no es definitoria en la “carrera” de un realizador. A lo sumo, en el mejor de los casos, uno encuentra allí elementos o puntas que luego, en un futuro, permiten comprender los intereses o los plantados que a lo largo de su recorrido el director irá retomando. Si la película es una producción independiente, por fuera de un sistema de financiamiento establecido, la cuestión es incluso mucho más intuitiva.

En el caso de “Tomasa”, la primera película de Juana Hodari, el resultado es más que satisfactorio. Hodari decide arriesgarse e involucrar a su familia en un relato sobre un grupo de mujeres que se apoyan y se sostienen entre sí. Lo interesante de la premisa es que la directora se anima a incursionar en una visión con cierta perspectiva de género desde un lugar no tan desarrollado hasta el momento por nuestro cine: la clase media-alta.

De este modo, el film encuentra cierto emparentamiento con “Las Lindas” de Melisa Liebenthal, sumado además que -al igual que la película citada- esta mirada aparece desde un lugar desprejuiciado y sin emitir un juzgamiento sobre sus personajes y las contradicciones que expresan.

La película toma como epicentro de los hechos el campo de la Madre de Juana, allí ella y sus hermanas pasan sus veranos trabajando y ayudando cuando regresan por el receso universitario. La idea central es entonces mostrar a este grupo de mujeres apoyándose y trabajando entre sí, con independencia y firmeza. Visualmente la locación otorga secuencias muy lindas, donde el ojo de Hodari logra captar momentos documentales sumamente bellos. A su vez, en algún momento, sin hacerlo manifiesto, la ficción aparece también y se recrean conversaciones y secuencias para la película. Esto se hace con mucha naturalidad, con lo cual, sin el ojo avezado de un espectador entrenado, pasa completamente desapercibido.

Quizá el único problema la película –más que lógico en una ópera prima tan compleja como esta- radica en una cierta confusión o falta de confianza en las herramientas narrativas que se emplean. Ese temor a que no se entienda la película se expresa en algunos momentos mediante entrevistas un poco forzadas y descontextualizadas donde Hodari introduce a la fuerza la temática de la película. Situación análoga aparece con determinadas placas de texto que bajan un mensaje de manera explícita que el film no necesita. Por supuesto, esto no es demasiado problemático ni determinante en una película más que destacable que marca el inicio de la carrera de una joven y ascendente directora.

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Foco Astor Piazzolla

“Sur” Dir. Pino Solanas

En el marco de un foco puntual de Astor Piazzolla por el 25 aniversario de su muerte, el BAFICI proyectó una versión restaurada de una de las películas más importantes de nuestro cine nacional: “Sur” de Pino Solanas.

El trabajo sobre la copia y la digitalización se llevó a cabo de la mano del “Plan de Recuperación de Películas Argentinas” que impulsan la DAC (Directores Argentinos Cinematográficos) y el estudio GOTIKA.

En este sentido, la restauración es notable. La fotografía del Chango Monti no pierde ni un poco de vigencia y el humo a contraluz mantiene toda la belleza a lo largo de la película. El resultado no hace más que confirmar que el paso del tiempo no le ha hecho mella a la película por la que Solanas ganara el premio a mejor Director en la edición de 1988 del Festival de Cannes.

Para más información sobre los títulos y qué es el “Plan de Recuperación de Películas Argentinas” pueden ingresar a su sitio web oficial http://www.recuperar.org.

 

Hacerse Grande

“El Corral” Dir. Sebastián Caulier

El recorrido y desarrollo de aquello que se denomina “Cine de Género” en nuestro país es notable. Si bien no se puede hablar de un fenómeno consolidado, lo cierto es que cada vez se hacen más películas, hay un público que responde y el INCAA decididamente ha comenzado a apoyar el desarrollo y profesionalización de las producciones. No sólo hay más films, sino que además las condiciones de producción se han –o habían, veremos qué pasa en el futuro- vuelto más proclives para que las películas presenten un alto nivel técnico, a la altura de competir con los tanques y productos industriales que inundan nuestras salas.

En el marco de ese aluvión es que aparece “El Corral”, la segunda película de Sebastian Caulier (“La inocencia de la araña”), en la que el juego entre el trhiller y el terror se hace presente a lo largo de todo el relato.

La película se centra en la figura de un niño antisocial, interpretado de manera muy natural y suelta por Patrio Penna, y su amigo, un chico nuevo también bastante particular que le propone al joven protagonista iniciar una senda de caos por toda la ciudad, con el fin de aleccionar a todas aquellas personas que los acosan cotidianamente.

La película va creciendo en cuanto a tono y drama, sin ponerse nunca demasiado solemne. Tanto así, que el resultado final es una suerte de entrecruzamiento entre Carrie y el cine de Michael Haneke, donde, por supuesto, nada puede terminar bien.

Otro punto destacable en la película es el aprovechamiento y la revalorización de la identidad nacional para construir un relato clásico. Si bien la historia podría transcurrir en cualquier pueblo del mundo, el director decide anclarla en su provincia natal, Formosa, y genera un vínculo específico con ese espacio. Esto se expresa en diferentes aspectos, desde los modismos de los actores hasta las referencias a la cultura regional.

Finalmente, pero no menos importante, el trabajo con los actores y la factura técnica de la película son notables. En definitiva, “El Corral”, consolida todo el trabajo enunciado en la anterior película del director y pone de manifiesto el gran presente que tiene el cine de género en nuestro país.

 

Panorama

“On the beach at night alone”  Dir. Hong Sang-soo

Sí, bueno. Ya sé, una película de Hong Sang-soo todos los años en Mar del Plata o BAFICI es una apuesta segura. Las razones ya las he mencionado en otras oportunidades, pero vamos, repitamos nuevamente. Para comenzar, como todo buen coreano el amigo Juan San Sú (como lo hemos bautizado en le revista) está todo el tiempo haciendo películas. Desde hace ocho años que de manera ininterrumpida estrena un largometraje por año. Incluso, en alguna que otra oportunidad, han sido dos las películas que han visto la luz de los proyectores en el lapso de doce meses. Esto no es novedoso ni vanguardista, los orientales son asombrosamente prolíficos. Es así.

El otro motivo que vuelve constante la presencia del realizador en nuestros festivales es la suerte de fanatismo y fetichismo que ha generado en la crítica y cinefilia local. Por alguna razón lo queremos, es medio inexplicable pero es así.

Para esta nueva película la vara estaba alta. “Right now, wrong then” y “Yourself and Yours” eran casi un pico de rendimiento en la carrera del realizador, sobre todo en el primer caso donde la película le generó un suceso y un reconocimiento a nivel mundial bastante amplio y considerable. El juego de las expectativas estaba ahí entonces y, lamentablemente, el resultado no fue superador ni mucho menos.

La historia se centra en Younghee (Kim Min-hee) una actriz devastada por la ruptura de la relación que mantuvo con un director casado. La acción se traslada a Alemania en un comienzo, donde se produce una espera por el encuentro con el ser deseado que nunca llega; y, luego, en Corea, donde Younghee se reúne con amigos y conocidos. En esta segunda parte es donde se desplega todo el artilugio de herramientas más destacables del cine de Hong.

Es cierto que si uno conoce un poco más sobre la vida personal del director y su historia en la vida real con la protagonista del film –me refiero al escándalo que se sucedió en la esfera privada de ambos a propósito del estreno de “Right now, Wrong Then”- todo se resignifica y cobra un sentido mayor desde el morbo autobiográfico. Pero lo cierto es que, mayoritariamente, el público no esté probablemente al tanto de todo ese chimenterío, razón por la que el el film debería bastarse a sí mismo y, lamentablemente, no lo hace.

“On the beach at night alone” mantiene entonces intactos los juegos realizativos del director. La puesta en escena poco fragmentada, la precisión en el uso del zoom in-out y los paneos. Todo calibrado y salido del baúl de trucos del bueno de Hong. El problema, si es que se lo puede llamar así, radica en que en esta oportunidad el juego de estructura -tan eficiente en sus recientes películas- es completamente abandonado, para dar paso a una serie de capítulos numerados de un modo caprichoso y sin demasiado sentido. De este modo, la narrativa divaga por serias zonas de incertidumbre donde, más allá de tres o cuatro momentos notables, llega a generar cierto aburrimiento.

Una verdadera lástima. Pero bueno, afortunadamente, Hong ya está terminando dos películas más y pre-produciendo quien sabe cuántas más…

  • RESEÑAS POR LUCIANO ÁVILA

COMEDIAS

“Los hermanos karaoke” Dir. Grupo Cine Humus

La historia de esta comedia es simple. Una pareja de cantantes que se dedica a hacer covers está preparándose para una presentación en la cual invirtieron algo del (poco) dinero que tienen con la esperanza de promocionarla y lograr una buena concurrencia. En el viaje, su auto se descompone y la pareja queda varada en una penumbrosa noche en el bosque. Ahí son rescatados por Alan, una especie de gurú que los ayudará a redescubrirse artísticamente a través medios naturistas.

La propuesta audiovisual es simple, clásica y (a veces más, a veces menos) efectiva, algunas cosas podrían haberse pulido más, reforzar la presión por la venidera fecha de la presentación hubiera aumentado la cantidad de tensión que el tercer acto necesitaba. En cuanto al soundtrack, fue compuesto por los mismos realizadores de la película y es uno de los puntos más destacables. La música algo ochentosa puede por momentos desentonar un poco con la estética visual de la película, pero funciona por sí misma. Sin embargo el sonido requiere más trabajo, al ambiente sonoro le faltó variación y más riqueza.

Destaca que los efectos visuales, si bien no son perfectos, están muy bien logrados para los estándares que se suelen ver en nuestro país y más aún a nivel independiente. Aunque desde el montaje hay algunos trucos que son difíciles de perdonar, como cuando la corriente de un río delata que una toma fue revertida para alargar su duración.

Hay una aclaración importante a tener en cuenta y es el hecho de que el equipo técnico de esta película fue bastante reducido, con todas las complicaciones realizativas que ello implica, pero sin embargo, lograron sacar adelante un final con una idea madura e interesante que escapa al cliché, dando además una comedia donde muchas veces los chistes funcionan y otras no tanto, pero que en definitivamente entretiene.

 

Cortometrajes competencia nacional 

Sección III

Varios Directores.

Ya que estamos ante películas de corta duración y que son varias, vamos a reducirlo a reseñas express bien concisas:

Weltende

Narra la historia de un hombre que empieza a trabajar para unos mafiosos, sin mucho detalle, sólo sabemos que se dedica a transportar gente sin entender demasiado lo que sucede. Nada nuevo en términos de historia, con una dirección bastante clásica y un tratamiento estético poco definido y por momentos hasta desprolijo. El guión es uno de los puntos que más le juega en contra, con relaciones que no se terminan de desarrollar y personajes con motivaciones e intenciones poco claras, todo esto genera una mala distribución de la información hacia al espectador, la película supone que este sabe o puede prescindir de ciertos datos, pero finalmente sólo lleva a un final que busca impactar pero que no se entiende del todo.

Un Alud

Un viaje a través de la mente de una joven que va atravesando diversas situaciones difíciles. Posee una estética cuidada, provee imágenes interesantes y con buenos efectos visuales. Por desgracia ahí es hasta donde llega. Su despliegue visual difícilmente termina traduciéndose en algún significado definido. La ambición de explorar los recursos audiovisuales es bien valorada, pero no cuando como resultado da una historia que no se termina de comprender.

El cielo de los animales

Documental observacional que critica la forma en la que algunos dueños tratan a sus mascotas al prepararlas para concursos, dotándolas de extravagantes cortes y colores de pelo, posturas forzadas y encerrándolos en jaulas. A su vez, el documental se toma el tiempo de hacer un paralelismo entre lo que las personas hacen de sus animales y lo que hacen de ellos mismos. No es la primera vez que se ve una comparación respecto a cómo el humano trata a otros seres vivos y cómo se trata a sí mismo, pero no se puede discutir que el resultado en este caso es muy eficiente.

Mundo country

Un falso documental donde un trío de amigos decide filmar el fenómeno de música country que se da en el festival de San Pedro, para lo cual cuentan con la ayuda de Steve, un estadounidense experto en la cultura country que intenta ayudarlos pero que terminará siendo una piedra en el camino. La propuesta es relativamente sencilla pero está bien manejada, a pesar de su simpleza logra sacar de la galera varios gags. Las personalidades de los protagonistas es uno de los ganchos del cortometraje, generando buena química y complementándose bien entre sí, a la vez que dan pie a diálogos bastante divertidos. Con lo difícil que es encontrar una buena comedia, se aprecia mucho una tan eficiente como Mundo Country.

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